Леонардо да Винчи картины

Самые известные произведения великого Леонардо да Винчи

Итальянский живописец Леонардо да Винчи Leonardo da Vinci картины.

Портрет Жинервы де Бенси Ginerve de’Benci • Леонардо да Винчи картины

~1474-1480гг, масло и темпера на дереве, 38×37 cм.
Национальная Галерея, Вашингтон,США.
Этот портрет- одна из ранних работ на светскую тему, о которой имеются документы, подтверждающие авторство Леонардо да Винчи.
Жинервы де Бенси вышла замуж в 17 лет 15-ого января 1474 за Луиджи Никколини, который был вдвое старше её.
Портрет написан по этому случаю.
Молодая женщина, сидит перед кустарником можжевельника, который, кажется, окружает ее голову подобно венку и, несомненно, доминирует над портретом Жиневры.
Интересная бледность не приём художника, а, по некоторым источникам, признак болезненной конституции.
Слово-«ginepro»(по итальянски-можевельник), никак не связано ни с фамилией женщины, ни с фамилией заказчика портрета. Можевельник — больше чем декоративный соучасник.
Подобно некоторым другим растениям, можжевельник был символ женского достоинства (в данном случае символ целомудрия новобрачной).
Портрет, показывая влияние Старых Голландских мастеров на стиль и технику исполнения природы, демонстрирует связь между женской красотой и достоинством.
Предполагается, что портрет был кем-то варварски укорочен в нижней части, где были руки.

Есть продолжение на обороте портрета, который, также является картиной.

На искусственном красном мраморе, мы видим лавр, можжевельник и ветви пальмы, связанные с друг другом гирляндой со словами VIRTUTEM FORMA DECORAT: «Красота украшает Достоинство».
Нежный силуэт лица, ветви пальмы (традиционный символ достоинства), красный мрамор, все подчеркивают связь между красотой, достоинством, целомудрием и верностью.
Вечнозеленый лавр указывает на стремление Жиневры к поэзии, о котором известно из воспоминаний современников.
Но есть версия что гирлянда с надписью, связаны с Бернардо Бембо,тогда Венецианским посолом в Флоренции, который заказал портрет невесты, и в гербе которого присутствовали ветви пальмы.
Мона Лиза

«Мо́на Лиза» — портрет Лизы Герардини • Леонардо да Винчи картины

«Мо́на Лиза» — портрет Лизы Герардини, супруги флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо, молодой женщины, написанный итальянским художником Леонардо да Винчи около 1503 года.
Картина является одним из самых известных произведений живописи в мире.
Относится к эпохе Возрождения. Выставлена в Лувре (Париж, Франция).
Полное название картины итал. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo — Портрет госпожи Лизы Джокондо.

История

Ни в одной другой картине Леонардо глубина и дымка атмосферы («сфумато») не переданы с таким совершенством, как в «Моне Лизе».
Эта воздушная перспектива, вероятно, лучшая по исполнению. «Мона Лиза» получила всемирную славу не только из-за качества работы Леонардо, которое впечатляет и любителей живописи и профессионалов.
Картина изучалась историками и копировалась живописцами, но она бы долго оставалась известной только для знатоков искусства, если бы не её исключительная история.
В 1911 году «Мона Лиза» была похищена и лишь два года спустя, благодаря случайным стечениям обстоятельств, возвращена музею.
На протяжении этого времени «Мона Лиза» не сходила с обложек газет и журналов всего мира.
Поэтому неудивительно, что «Мону Лизу» копировали чаще всех других картин. Картина стала объектом поклонения как шедевр мировой классики.
Леонардо да Винчи
Мона Лиза, 1503—1505
Ritratto di Monna Lisa del Giocondo
Дерево, масло. 76,8 × 53 см
Лувр, Париж

Мона Лиза. Проблема идентификации модели

Личность, изображённую на портрете, сложно идентифицировать. До сегодняшнего дня по этому поводу было высказано много спорных и, подчас, абсурдных мнений:
* Просто идеальная женщина
* Юноша в женском одеянии
* Автопортрет Леонардо
Загадка, по сей день окружающая незнакомку, притягивает в Лувр ежегодно миллионы посетителей.

Кардинал Луис Арагонский

В 1517 году кардинал Луис Арагонский посетил Леонардо в его французской мастерской.
Описание этого визита было сделано секретарём кардинала Антонио де Беатисом: «10 октября 1517 года монсиньор и иже с ним посетили в одной из отдалённых частей Амбуаза мессира Леонардо да Винчи, флорентийца, седобородого старца, которому более семидесяти лет, — самого превосходного художника нашего времени.
Он показал его превосходительству три картины: одну с изображением флорентийской дамы, писанную с натуры по просьбе брата Лоренцо Великолепного Джулиано Медичи, другую — святой Иоанн Креститель в молодости и третью — Святая Анна с Марией и младенцем Христом; все в высшей степени прекрасные.
От самого мастера, в связи с тем, что у него в то время была парализована правая рука, уже нельзя было ожидать новых хороших работ».

По мнению части исследователей, под «некой флорентийской дамой» подразумевается «Мона Лиза».
Возможно, однако, что это был другой портрет, от которого не сохранилось ни свидетельств, ни копий, вследствие чего Джулиано Медичи не мог иметь никакого отношения к «Моне Лизе».

Джорджио Вазари автор биографий итальянских художников

Согласно Джорджио Вазари (1511—1574), автору биографий итальянских художников, Мона Лиза (сокр. от мадонна Лиза) была женой флорентийца по имени Франческо дель Джокондо (итал. Francesco del Giocondo). На чей портрет Леонардо потратил четыре года, всё же оставив его неоконченным.

Вазари высказывает очень хвалебное мнение о качестве этой картины: «Любой человек, желающий увидеть, как хорошо искусство может имитировать природу, может с лёгкостью в этом убедиться на примере головы, так как здесь Леонардо воспроизвёл все детали… Глаза наполнены блеском и влагой, как у живых людей… Нежный розовый нос кажется настоящим. Красный тон рта гармонично совпадает с цветом лица… Кто бы ни смотрел внимательно на её шею, всем казалось, что у неё бьётся пульс…» Он также объясняет лёгкую улыбку на её лице: «Леонардо якобы пригласил музыкантов и клоунов, чтобы развлечь скучающую от долгого позированья даму».

Джорджио Вазари

Может быть, эта история и соответствует действительности, но скорее всего Вазари просто добавил её к биографии Леонардо для развлечения читателей. Описание Вазари также содержит точное описание бровей, отсутствующих на картине.
Эта неточность могла возникнуть только в том случае, если автор описывал картину по памяти или же по рассказам других.
Картина была хорошо известна среди любителей искусства, хотя Леонардо уехал из Италии во Францию в 1516 году, взяв картину с собой.
Согласно итальянским источникам она с тех пор находилась в коллекции французского короля Франциска I, однако остаётся неясным, когда и как она была им приобретена и почему Леонардо не вернул её заказчику.

Джорджио Вазари

Вазари, родившийся в 1511 году, никак не мог увидеть Джоконду своими глазами и был вынужден сослаться на информацию, данную анонимным автором первой биографии Леонардо.
Именно он и пишет о маловлиятельном торговце шелками Франческо Джокондо, заказавшем у художника портрет своей третьей жены Лизы.
Несмотря на слова этого анонимного современника, многие исследователи всё же сомневаются в возможности того, что «Мона Лиза» была написана во Флоренции (1500—1505).
Утончённая техника указывает на более позднее создание картины.
Помимо того, в это время Леонардо был настолько занят работой над «Битвой Ангиари», что даже отказал маркизе мантуанской Изабелле д’Эсте принять её заказ. Мог ли тогда простой торговец уговорить известного мастера написать портрет своей жены?

Интересен и тот факт, что в своём описании Вазари восхищается талантом Леонардо передавать физические феномены, а не сходством между моделью и картиной. Как кажется, именно эта «физическая» особенность шедевра оставила глубокое впечатление у посетителей ателье художника и дошла до Вазари почти пятьдесят лет спустя.

Мона Лиза. Композиция

Внимательный анализ композиции приводит к выводу, что Леонардо не стремился создать индивидуальный портрет. «Мона Лиза» стала осуществлением идей художника, высказанных им в своём трактате о живописи.
Подход Леонардо к своим работам всегда имел научный характер. Поэтому «Мона Лиза», на создание которой он потратил много лет, стала красивым, но в то же время недосягаемым и бесчувственным образом.
Она одновременно кажется сладострастной и холодной.
Несмотря на то, что взгляд Джоконды направлен на нас, между нами и ею создан визуальный барьер — ручка стула, действующая как перегородка.
Тем не менее, наш взгляд постоянно возвращается к её освещённому лицу, окружённому, как рамкой, тёмными, скрытыми под прозрачной фатой волосами, тенями на шее и тёмным дымчатым пейзажем заднего плана.

На фоне отдалённых гор фигура производит впечатление монументальной, хотя формат картины невелик (77 х 53 см).

Мона Лиза

Эта монументальность, присущая возвышенным, божественным существам, держит нас, простых смертных, на почтительном расстоянии и одновременно заставляет нас безуспешно стремиться к недосягаемому.
Неспроста Леонардо выбрал позицию модели, очень схожую с позициями богоматери в итальянских картинах XV века. Дополнительную дистанцию создаёт искусственность, возникающая из-за безупречного сфумато-эффекта (отказа от чётких очертаний в пользу создания «воздушного» впечатления).
Надо полагать, Леонардо фактически полностью освободился от портретного сходства в пользу создания иллюзии атмосферы и живого дышащего тела при помощи плоскости, красок и кисти. Для нас Джоконда навсегда останется шедевром Леонардо.

Секрет выразительности лица Джоконды 

в технике многослойной живописи тонкими слоями краски поверх уже высохших слоёв.
Что это даёт?
При прохождении света через прозрачные слои краски до холста он отражается и рассеивается совершенно по-разному в зависимости от угла зрения на полотно или от угла падения света при движении Солнца.
Поэтому выражение её лица постоянно неуловимо меняется, оно действительно как бы живёт.
Но это — только начало эффекта, при некотором изменении точки зрения, даже совершенно незначительно, лицо приобретает вдруг совершенно определённо очертания черепа, её височные впадины углубляются, глаза начинают проваливаться…

Мона Лиза Леонардо

Перед нами уже не улыбающаяся женщина, а какой-то издевательский оскал самой смерти, это очень хорошо видно при рассматривании оригинала, но совершенно не передаётся в репродукциях. Возникает очень сильный психологический эффект, эффект контраста, когда в одном образе сплавлены два совершенно противоположных начала. И чем сильнее контраст, тем сильнее воздействие, но более сильного контраста, чем жизнь и смерть придумать невозможно…Здесь вся непостижимость человеческого существования отлиты в одном образе, в этом гениальность Леонардо.
Загадка в том, как ему удалось достичь именно изображения черепа, смерти, мерцающей сквозь красивое женское лицо, ведь это почти невозможная задача, но это — уровень мысли и духа великого художника и философа…

Исследователь ренессансного искусства Гращенков

пишет: «В этой загадочной картине он создал нечто большее, чем портретное изображение никому не ведомой флорентинки Моны Лизы, тьетьей жены Франческо дель Джокондо.
Внешний облик и душевный строй конкретной личности переданы им с небывалой синтетичностью.
Этому имперсональному писхологизму отвечает космическая отвлеченность пейзажа, почти полностью лишенного каких-либо признаков человеческого присутствия.
В дымчатой светотени не только смягчаются все очертания фигуры и пейзажа и все цветовые тона.
В почти неуловимых глазом тончайших переходах от света к тени, в вибрации леонардовского „сфумато“ до предела смягчается, тает и готова исчезнуть всякая определенность индивидуальности и её психологического состояния.

Гращенков

Бесконечное многообразие человеческих чувств и желаний, противоборствующих страстей и помыслов, сглаженных и слитых воедино, отзывается в гармонически бесстрастном облике Джоконды лишь неопределённостью её улыбки, едва зарождающейся и пропадающей.
Это ничего не означающее мимолетное движение уголков её рта, словно отдалённое, слившееся в один звук эхо, доносит до нас из беспредельной дали красочную полифонию духовной жизни человека.

„Джоконда“ — не портрет.

Это — зримый символ самой жизни человека и природы, соединенных в одно целое и представленных отвлеченно от своей индивидуально-конкретной формы.
Но за еле заметным движением, которое, как лёгкая рябь, пробегает по неподвижной поверхности этого гармонического имира, угадывается все богатство возможностей физического и духовного бытия».

Мона Лиза. Детективная история «Моны Лизы»

Мона Лиза ещё долго была бы известна только тонким знатокам изобразительного искусства, если бы не её исключительная история, которая обеспечила ей всемирную известность.
С начала XVI столетия картина, приобретённая Франциском I после смерти Леонардо, оставалась в королевской коллекции.
С 1793 была помещена в Центральном Музее Искусств в Лувре. Мона Лиза всегда оставалась в Лувре как одно из достояний национальной коллекции.

Мона Лиза

21 августа 1911 года картина была похищена работником Лувра, итальянским мастером по зеркалам Винченцо Перуджей (итал. Vincenzo Peruggia).
Цель этого похищения не выяснена однозначно. Возможно, Перуджа хотел возвратить «Джоконду» на историческую родину.
Картину нашли только спустя два года в Италии.
Причём виной тому был сам вор, отозвавшийся на объявление в газете и предложивший продать «Джоконду».
Предполагается, что он собирался сделать копии и выдавать за оригинал.
В конце концов, 4 января 1914 года картина вернулась во Францию.

Мона Лиза Лувр

В двадцатом столетии картина почти не покидала Лувр, побывав в 1963 в США и в 1974 в Японии.
По пути из Японии во Францию картина была выставлена в музее им. А. С. Пушкина в Москве. Поездки только закрепили успех и славу картины.
«Мона Лиза» в искусстве
* Ключевой эпизод фильма «Сто дней после детства» (реж. Сергей Соловьёв) строится на том, что во время вечернего мероприятия в пионерском лагере рассматривают репродукцию Джоконды
* В романе Дэна Брауна и одноименном фильме «Код да Винчи» (реж. Рон Ховард) ключ к решению загадки лежит через знаменитые работы Леонардо, в том числе и «Мону Лизу»

Джоконда

Дурную славу снискала знаменитая картина Леонардо да Винчи «Джоконда».
Восторг и восхищение творением великого флорентийца смешаны с загадками и страхом.
На знаменитой улыбке Моны Лизы останавливаться не станем, а вот о странном (если не сказать ужасном) воздействии образа на зрителя стоит поговорить. Заметили эту удивительную способность полотна доводить впечатлительных людей до обморочных состояний в XIX веке, когда Лувр открылся для публичного посещения.
Первым таким человеком из публики стал писатель Стендаль.
Он неожиданно для себя остановился у «Джоконды» и некоторое время любовался ею. Кончилось плохо — знаменитый писатель тут же у картины упал в обморок.
А всего на сегодняшний день зафиксировано уже более сотни подобных случаев.

Гений Леонардо?

Ведь великий художник никогда так долго не работал над обычным портретом. Казалось бы, обычная заказная вещь. Так нет, художник до конца своих дней не удовлетворится работой и будет переписывать картину оставшиеся шесть лет жизни. Все это время его будут преследовать меланхолия, слабость, изнеможение. Но главное, что он не захочет расставаться с «Джокондой», будет часами смотреть на нее, а потом дрожащей рукой вновь начинать вносить поправки.
Работники Лувра, кстати, отметили, что длительные перерывы в работе музея приводят к потускнению «Джоконды».
Она темнеет, но стоит посетителям вновь заполнить залы музея, и Мона Лиза словно оживает, проявляются сочные краски, фон осветляется, улыбка видна более четко.

Благовещение • Леонардо да Винчи картины

Благовещение, написанная в возрасте 23 лет., полностью раскрываются возможности и наклонности художника. Здесь присутствует скрупулезная прорисовка деталей природы и атмосферных явлений с особым интересом к сумеркам. Тональные эффекты в игре света и теней при заходесолнца увлекают Леонардо так сильно, что он решает разработать новую технику рисования. Эта техника резко отличалась от наиболее распространенного способа светотени «кьяроскуро , и была названа «сфумато».
Леонардо-да Винчи Благовещение [1472-1475] Уффици. Флоренция.

Мадонна в скалах • Леонардо да Винчи картины

К картине «Мадонна в скалах» Леонардо да Винчи приступил в 1483 году, получив заказ на алтарную картину от одного из религиозных братств.
Расхождения с заказчиками из-за оплаты привели к тому, что Леонардо да Винчи оставил картину у себя, окончательно завершив ее между 1490 и 1494 годами.
Размер картины 198 x 123 см, холст, дерево, масло.
Картина «Мадонна в скалах» (другое название «Мадонна в гроте») может считаться первой монументальной алтарной композицией Высокого Возрождения. В отличие от «Поклонения волхвов» здесь эта задача решается им во всеоружии зрелого мастерства.

Леонардо да Винчи картины

Флорентийское «Поклонение» изобиловало множеством действующих лиц первого и второго плана.
В луврской картине художник изобразил только четыре расположенные на первом плане фигуры — деву Марию, ангела, младенца Христа и маленького Иоанна Крестителя.
Но зато эти образы приобрели черты обобщенного величия; в сравнении с ними персонажи ранних леонардовских работ кажутся менее значительными. Образы «Мадонны в скалах» можно назвать идеально прекрасными, но с тем обязательным дополнением, что они сохраняют при этом всю полноту жизненной выразительности.
В первую очередь это относится к образу самой мадонны, материнская любовь которой выражена не только в жесте ее руки, одновременно как бы благословляющем и оберегающем ее ребенка, но и в глубокой внутренней сосредоточенности, в той концентрированности душевного чувства, по сравнению с которым выглядит наивным образ юной матери в картине «Мадонна с цветком».

Леонардо да Винчи картины

Отпечаток серьезности присущ в луврской картине даже очаровательным детям. Кватроченто знало два преимущественных типа изображения в живописных композициях — либо статичные образы торжественного предстояния, либо подробное повествование, оживленный рассказ.
В леонардовской картине «Мадонна в скалах» нет ни того, ни другого. Действующие лица лишены скованности, они отличаются полной свободой физических и душевных движений.
Здесь нет и ясно выраженного сюжетно-повествовательного раскрытия темы; вместо четкой фиксации определенного момента (который чувствуется в картине «Мадонна с цветком») Леонардо нашел в луврской картине один из важнейших изобразительных принципов Высокого Ренессанса, который можно определить как воплощение человеческого образа в состоянии гармонического бытия, особого равновесия внутренних и внешних движений.

Леонардо да Винчи картины

Это не отдельный момент, это своеобразное, «длящееся» состояние, свободное, однако, от внутренней скованности кватрочентистских образов.
По-новому представлено здесь и окружение действующих лиц — подобие грота среди причудливых скал, напоминающих по форме гигантские темные кристаллы, почва, усеянная разнообразными цветами.
Порознь каждый камень, каждая травинка и цветок — это тончайшее изображение натуры, свидетельство огромных познаний Леонардо да Винчи в геологии и ботанике, но в целом они образуют пейзаж почти фантастического характера.
Это уже не фон, а своеобразная эмоциональная среда, вступающая в активную связь с человеческими образами, — недаром фигуры изображены не перед пейзажем, как это бывало прежде, а в самом пейзаже.
Традиционная кватрочентистская разобщенность первого плана и фона тем самым была окончательно преодолена.
Под стать обобщенному характеру образов, «крупному» видению натуры и само композиционное мышление Леонардо да Винчи.
Его раннее «Поклонение волхвов» по сравнению с картиной «Мадонна в скалах» показалось бы просто хаотичным.
В луврской картине отчетливо проявилось умение располагать фигуры согласно четкому и ясному геометрическому построению: они как бы вписаны в равнобедренный треугольник, вершина которого совпадает с головой Марии.

Леонардо да Винчи картины

Так Леонардо да Винчи кладет начало чрезвычайно распространенной в живописи Высокого Возрождения пирамидальной композиции, способствующей созданию ясных и гармонических решений.
В луврской картине фигуры чувствуют себя в границах этого построения свободно и естественно, тем более что Леонардо да Винчи избегает сухого геометризма, внося в композицию дополнительные оттенки.
Так, утяжеляя правый нижний угол картины двумя фигурами — ангела и младенца Христа, — художник уравновешивает ее с помощью крупного просвета в левой верхней части, благодаря чему спокойная статика пирамидальной композиции обогащается движением по диагонали.
Подобные приемы сложного динамического равновесия станут характерными для мастеров Высокого Ренессанса.
Леонардо да Винчи Мадонна в скалах, 1483—1486 La Vergine delle rocce
Дерево, переведённое на холст, масло. 199×122 см Лувр, Париж

Мадонна Бенуа • Леонардо да Винчи картины

Около 1480 года художником Леонардо да Винчи была написана эрмитажная «Мадонна с цветком» (так называемая «Мадонна Бенуа»). Произведение, несущее в себе уже новый целостный замысел и представляющее первую важную веху на творческом пути Леонардо.
В своей небольшой по размерам картине (размер картины 50 x 32 см, дерево, масло) молодой художник избрал один из самых популярных мотивов в живописи раннего (а впоследствии и Высокого) Возрождения. Изображение мадонны в интимно-лирическом плане, когда тема материнства выражается просто и безыскусственно, без той сложности идейного и изобразительного замысла, которая свойственна крупным алтарным композициям.

Мадонна Бенуа Леонардо 

Леонардо да Винчи еще не достиг полной зрелости мастерства — это сказывается в не совсем удавшейся — слишком крупной и выглядящей несколько условно — фигуре младенца.
И все же картина «Мадонна Бенуа» резко выделяется среди близких ей по теме кватрочентистских композиций. В которых образ мадонны кажется статичным, застылым не только внешне, но и внутренне, ибо в них нет такого открытого излияния чувства, как в светящейся счастьем материнства леонардовской Марии.
Вводя в картину мотив игры юной матери и ребенка с цветком, Леонардо да Винчи отнюдь не переходит грань, за которой начинается характерное для многих живописцев 15 века мельчащее образ жанровое, бытовое правдоподобие.
Жизненная правда Леонардо да Винчи — это высокая правда, и в соответствии с ней изобразительный язык в рассматриваемой картине отличается большей обобщенностью. Нежели в его более ранних работах, — той концентрированностью видения, способностью в немногом увидеть многое, которая составляет уже особенность Высокого Возрождения.

Мадонна Бенуа

Фигуры мадонны и младенца, заполняя почти всю картину, уже одной своей крупной пластикой формируют ее пространство. Какие-либо отвлекающие подробности отсутствуют.
Вместо насыщенного изображениями, сильно детализированного кватрочентистского фона — только предельно лаконичный в своей выразительности мотив: окно в темной стене, одновременно показывающее, что действие происходит в интерьере, н позволяющее увидеть за его стенами чистое голубое небо.
В самой живописи, не блещущей яркими красочными эффектами, вместо по-флорентийски разобщенных, пассивно сопоставленных цветовых пятен проскальзывает ощущение своеобразного единого тона.
Мадонна Бенуа 1478 год. Эрмитаж, Санкт-Петербург. 50 x 32 см, дерево, масло.

Италия Милан